El avance de «The Flash»: cambiando todo en tres minutos

Paréntesis

Ismael Ortiz Romero Cuevas 

La verdad es que no tenía ya mayores expectativas con los nuevos proyectos de DC en el cine, pues pese a las críticas, a mí realmente me estaba gustando el tono y elementos que Zack Snyder les había impreso a los súper héroes de esa casa editorial. El toque más serio, sangriento y lúgubre ponía de manifiesto que los súper héroes más emblemáticos de las historietas, estaban en la pantalla grande con ficciones que tenían como meta a un mercado más adulto contemporáneo que a los adolescentes y ‘millennials’ que siguen a las producciones de Marvel. 

Eso me pasó con “Black Adam”, que, pese a que realmente me gustó más que otras cintas de súper héroes, tuvo algo que no terminó de convencerme. Quizá el tono, quizá el protagonista, quizá el rumbo más apegado al de un antihéroe que prefirieron darle a uno de los más emblemáticos súper villanos de DC o algo pasó, que realmente no ha sido de mis favoritas, incluso pese a la inclusión de Henry Cavill en la escena post créditos, para mí, el mejor Superman que ha tenido el cine y que además dio, una gran dosis de falsas esperanzas. 

Y el domingo, durante la transmisión del Súper Tazón, se presentó por fin el tráiler de “The Flash”, una cinta heredera del universo y elenco de Snyder, pero que ha sufrido dos retrasos, un número considerable de ‘re-shots’ y cambios sustanciales en la trama, sin contar, los problemas en los que se ha metido e involucrado al estudio, Ezra Miller, el protagonista de esta película. Y con toda esa información que no sé si sea en contra, pero sí desacertada, vi por primera vez el avance y ¡qué manera de sorprenderme!, toda esa historia la deshizo en tres minutos, presentando un corte emocionante, épico, con un toque de nostalgia y que dio en el blanco para que ahora sí, creamos que Sasha Calle es una digna portadora del manto de kriptoniana. 

Una de las cosas que me tenía (y a muchos), un tanto desconcertado es la introducción nuevamente de Michael Keaton como Batman / Bruce Wayne y de la sustitución de Cavill por Calle, cambiando a Superman por Supergirl, o Superwoman (porque el traje se asemeja más a la segunda), pues aunque sabíamos que la historia tomaría de base el arco de “Flashpoint”, la presentación de un Batman veterano y de la súper heroína era completamente nuevo en esa ficción, que se venía cocinando desde “Batman v Superman: el origen de la justicia” de 2016, pues Jeffrey Dean Morgan, a quien vimos en la entrada de esa cinta como Thomas Wayne, ya se preparaba desde entonces para encarnar a Batman en ese arco de The Flash. El despido de Snyder, las malas críticas hacia esa visión del universo DC, el escándalo con Joss Whedon, la salida de Ben Affleck, el despido-recontratación-despido de Henry Cavill, la cancelación del guion de “Mujer Maravilla 3”, el futuro incierto de Gal Gadot como la amazona, los problemas legales y de salud mental de Ezra Miller y la polémica pese al éxito de “Liga de la justicia de Zack Snyder” de HBO Max, iban retrasando uno de los proyectos más ambiciosos de Warner Bros. – DC: “The Flash”. 

La visión de Walter Hamada, ex CEO de DC Films, era dar una especie de reinicio con esa película al universo DC, borrando todo lo hecho por Snyder e introducir nuevos súper héroes, sin embargo, la llegada de James Gunn y Peter Safran a ese puesto tras la compra de Warner por Discovery, le dieron nuevos aires a “The Flash”, que sigue siendo el botón de reinicio para el universo que ahora crearán los talentosos cineastas, sin embargo, han respetado algunos elementos de la visión de Snyder, finalmente, que es de donde salió la versión del personaje de The Flash / Barry Allen que veremos en pantalla. 

En el avance, hay acción, hay melancolía, hay dos Batman (Ben Affleck y Michael Keaton), hay una brutal Supergirl / Kara Zor-El (Sasha Calle) y vemos nuevamente a Michael Shanon como el General Zod en la versión que vimos en “El hombre de acero”. La visión del cineasta argentino Andy Muschietti parece que reivindicará al universo DC, que pese a que ha tenido grandes éxitos en taquilla, no parecía convencer completamente a la audiencia, quienes parece siguen esperando un tono más alegre y con más efectos especiales, tal y como lo ha hecho Marvel Studios. El avance tuvo el poder de convencerme hacia la película, convirtiéndola además ya en una de las más esperadas por la audiencia en este 2023. “The Flash” llega a los cines el próximo 16 de junio. 

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El medio del espectáculo y la ‘gordofobia’

• Paréntesis

Ismael Ortiz Romero Cuevas 

En todos lados, hemos escuchado que tener un cuerpo grande es sinónimo de enfermedad y de que las cosas no están bien físicamente. A nivel social, las personas que hemos vivido con sobre peso, hemos sido objeto de mucha discriminación, desde no encontrar ropa de la talla adecuada, no poder entrar a ciertos sitios, perder oportunidades de empleo por no encajar en la imagen estética aprobada socialmente (por ejemplo, trabajos en comunicación, relaciones públicas, ventas y puestos gerenciales o directivos) e incluso, ser tildados de personas que tenemos poco o nada de derecho de disfrutar con plenitud la vida sexual, y podemos seguir con la lista de estigmas que se nos han puesto. Hasta si queremos comprar un seguro de gastos médicos o de vida, resulta que las cuotas se elevan casi al doble (más que la de un fumador) y ni hablar del reciente caso de la pandemia por la Covid-19, donde fuimos catalogados en el grupo de riesgo de manera instantánea, sin tomar en cuenta cualquier historial médico. 

Asimismo, quienes hemos vivido algún régimen de control de peso, sabemos lo complicado que resulta, pues nuestro metabolismo a veces es mucho más lento que de quien es delgado; de igual manera, al paso de los años comenzamos a tener una especie de relación insana con la comida, una línea delgada que divide la dieta del desorden alimenticio y la desestabilización de la salud mental. Sin embargo, la sociedad nos ha educado a todos a que estar “gordito” no es bello ni atractivo, que esa condición en el peso se debe a que nos la pasamos comiendo golosinas y comida poco sana y pasan a los comentarios pasivo-agresivos (“estás gordita (o), pero tienes bonita cara”, “aunque eres gordito (a), tienes una gran personalidad”, “te iría mejor si adelgazaras un poco”, “a las mujeres (o a los hombres) no les gustan los (as) gordos (as)”, “te verías hermoso en un traje de sumo”, “Admiro a Yuridia, pero siempre dijimos que estaba gorda”, “Sam Smith en ‘jumpsuit’ se ve chistoso, en cambio Hary Styles se ve genial”, “Aretha Frankin tenía una gran voz, aunque tenía un cuerpo enorme”, “Adele bajó de peso y ahora sí, se ve bonita” etc.)  de todo lo que nos puede pasar o podríamos ser quienes vivimos en esa condición.

Y pongo el ejemplo de varios artistas que han sido víctimas también a nivel público por la condición de su peso, ya sea por parte de los medios de comunicación e incluso, del público, realzando el aspecto físico antes que el talento. Hace unos meses, por ejemplo, el ganador de cuatro premios Grammy, tres Brit Award, un Globo de Oro y un Oscar, Sam Smith vistió en su presentación en el O2 Arena en Londres para el “Jingle Bell Ball” una prenda llamada ‘jumpsuit’ que además le confeccionó el reconocido diseñador Maison Valentino. Es cierto, Sam Smith perdió el delgado cuerpo que tenía al inicio de su carrera y que ahora sabemos, se debió a que, la presión de su disquera y su carrera a nivel global, le desencadenó un trastorno alimenticio y padeció bulimia. Sin embargo, su aumento de peso no ha sido condicionante para que apreciemos el enorme talento del británico no solo como el gran cantante que es, sino como un estupendo compositor y también productor musical, y ahora acompañado de su inigualable personalidad y estilo, resultado de que a nivel emocional se encuentra más estable. Los ataques a la persona de Sam Smith se dieron justamente por parte del público en redes sociales y de algunos medios de información, que entre algunos otros calificativos le llamaron “ridículo”. Fue otro sector del público quienes también salieron en su defensa, argumentando que mientras a Harry Styles le aplaudieron el uso de un ‘jumpsuit’ similar en Coachella unos meses antes, a Smith se le señalaba por no estar delgado como el ex One Direction y atreverse a portar esa prenda. 

Y en el caso mexicano, también hay una polémica con respecto a ese tema y se dio entre la cantante Yuridia y la conductora de espectáculos Pati Chapoy con algo que sucedió hace ya varios años, pero que revivió la misma presentadora y Alex Montiel (El Escorpión Dorado), donde sin tapujos, Chapoy le dijo a Montiel que “admiraba a Yuridia pero que siempre habían dicho que estaba gorda”. La cantante, por cierto, reconocida como una de las mejores voces en español de los últimos 20 años, respondió en su cuenta de TikTok, donde mencionó el daño que esos comentarios le ocasionaron en su salud mental y autoestima. Lejos de portarse profesionales, el equipo comandado por Chapoy que conducen “Ventaneando” (sí, ese programa espantoso con casi 30 años al aire y que lo sorprendente no es su contenido amarillista y vulgar, sino que siga existiendo en 2023, donde se supone, que la sociedad ya cambió y exigimos cosas de mejor calidad), armó una polémica respondiéndole a la artista y señalando su supuesto comportamiento berrinchudo y su carácter irascible durante esos programas que derivaron de “La academia”. Sumidos en dimes y diretes, parecer ser que quienes no están saliendo bien librados de esta reyerta es justamente el programa de TV Azteca, quienes ya son señalados de discriminar a la cantante por gordofobia, al grado que la Comisión Nacional para prevenir y erradicar la violencia contra las mujeres (Conavim), lanzó una carta, condenando los comentarios de Chapoy hacia la cantante, enfatizando que no importa que hayan pasado casi 20 años del suceso porque “Reconocemos que los medios de comunicación masiva son actores clave para la construcción de una cultura libre de violencia contra las mujeres; sus contenidos, expresiones y comentarios en espacios de difusión masiva repercuten en las conductas y comportamientos de la sociedad” dice de manera textual, añadiendo también que “la gordofobia limita el acceso al ejercicio pleno de los derechos humanos de las mujeres con cuerpos no hegemónicos, afectando su salud mental, capacidad de desenvolvimiento social, acceso a oportunidades laborales y hasta puede derivar en trastornos alimenticios como son la anorexia, la bulimia o el sobrepeso”. Ante esto y muy a su pesar, la “curtida” comunicadora tuvo que salir a pedir una disculpa pública en su longevo programa, argumentando que ese espacio, con 27 años al aire, siempre ha sido un programa de “crítica artística e investigación periodística”, añadiendo además que a partir de ahora (sí, ¡hasta ahora!) serán mucho más cuidadosos con el lenguaje para no ofender a los artistas. La escuela de Raúl Velasco sigue viva en Pati Chapoy, que, por cierto, ha perdido vigencia en su forma de comunicar y de “hacer periodismo”. 

La discriminación por sobre peso, es algo que ha existido prácticamente desde siempre y sin duda, hay que celebrar que ahora se eduque para erradicarla y quitar estigmas que han lastimado a muchas personas. Y no es romantizar la gordura, simplemente que la gente generalmente no conoce lo que la persona con sobre peso ha pasado y vivido para lograr aceptarse y ser aceptado. Con respecto a los artistas, si a alguien le incomoda el supuesto sobre peso que tienen, pues simplemente no los vean ni compren su música, ellos se perderán de su talento. Y por cierto, ¡feliz día del amor y la amistad!

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«The Last Of Us», podría ser la mejor serie del año

Paréntesis

Ismael Ortiz Romero Cuevas 

Nunca he creído que las adaptaciones, ya sea en cine o televisión, de un juego de video exitoso sea la mejor idea; la historia con estas producciones nos da la razón, sin embargo, decidí darle una oportunidad a “The Last Of Us”, la nueva serie de la plataforma HBO Max no solo por la historia distópica que al menos a mí, me causa una gran fascinación, sino también porque leí los estupendos comentarios al respecto de los dos primeros episodios. 

Todavía estoy recuperándome del apoteósico final de “La casa del dragón” y HBO Max, llega con esta serie que, en serio, me atrapó desde el inicio y me atrevo a decir, que, aunque se ha estrenado en enero y corre apenas la primera semana de febrero, ya estamos ante la mejor serie del año, o quizá una de las candidatas para coronarse como tal. Y es que, aunque “The Last Of Us” está basada en el videojuego del mismo nombre, no es necesario ni siquiera conocerlo para disfrutar de una historia de drama y horror, enmarcada en un mundo destruido por una pandemia provocada por hongos y donde, además, algunos embelecos políticos complican de manera muy interesante la trama. 

Y es que esta producción de HBO Max va mucho más allá de los paradigmas establecidos y clichés impuestos por la televisión actual para este tipo de series. El mérito de “The Last Of Us” radica en que, a pesar de lo sobre explotadas que han resultado las historias de zombis, (sí, justo por la evolución tan vergonzosa de “The Walking Dead”), parece haber encontrado un punto diferente en la narrativa del drama lo que condimenta a los personajes de forma estupenda y hace que no soltemos el foco en que lo verdaderamente sustancial es la relación entre los protagonistas Joel (Pedro Pascal) y Ellie (Bella Ramsey), que además ofrecen una actuación fuera de serie, incluso, resulta que ponemos más atención en esos elementos y nos olvidamos que también es una estupenda adaptación del juego que la inspiró. De hecho, puedo decir que la serie acierta de forma magnífica en elementos en los que el videojuego no profundiza, que son justamente la atmósfera y la historia tan fascinante de los protagonistas, cargadas mucho más de melancolía que de escenas de acción. 

Y es justamente el impecable trabajo interpretativo de Pedro Pascal y Bella Ramsey, la pareja de protagonistas, el que quizá sea uno de los puntos torales en el éxito de la serie. Ambos logran un gran mimetismo con sus personajes, además de que hay una química que parece completamente orgánica en vez de actuada y eso provoca, que el público empatice de forma casi inmediata con ellos. Llega el punto en que queremos proteger a la pareja a toda costa, sea la circunstancia que sea. 

“The Last Of Us” se ha convertido en este corto tiempo del 2023, en uno de los productos más rentables y exitosos de HBO Max. Uno de los puntos interesantes de esta producción, es que está realizada nada menos que por Craig Mazin, creador y responsable también de la serie “Chernobyl”, el aterrador drama que cuenta el accidente nuclear y los esfuerzos  inútiles de la extinta URSS por mantenerlo en secreto, además de que el guion lo escribió Neil Druckmann, guionista y director creativo del juego de video, lo que nos garantiza que estamos ante una historia que vale mucho la pena ver; sin dejar de mencionar la estupenda partitura del gran Gustavo Santaolalla, que ha hecho que no me salte el ‘intro’ de la serie solo para escuchar su gran composición para la entrada. 

No hay que ser fan de los videojuegos y las consolas para disfrutar una serie que reivindica el género de zombis y post apocalípticos, porque “The Walking Dead” nos dejó con un muy mal sabor de boca, además, de que disfrutaremos de una historia que va más allá de las persecuciones y mordeduras llenas de carne y vísceras y que esperamos, con mucha vehemencia, que no se desponga en los episodios venideros. 

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De artista emergente a ganador del Grammy

Ismael Ortiz Romero Cuevas

La noche del domingo 05 de febrero, se realizó la entrega número 65 del Grammy, premio que otorga la Academia de la Grabación de los Estados Unidos y que se ha convertido en el laurel más importante de la música, aunque hay otros tantos, que aseguran que este galardón, en realidad se ha convertido en un chiste, pues premia más el valor comercial de un artista a una verdadera calidad musical. 

Mientras son peras o manzanas, la entrega del Grammy sigue siendo un acontecimiento, ya sea por sus polémicas, por entregar premios a quien según el público y la crítica no los merece, o por presentaciones escandalosas. Sin embargo, el pasado domingo y pese a que la ceremonia estuvo llena de artistas que son tendencia en TikTok, a mi juicio se le hizo justicia a un álbum que sí merece todas las palmas: “Harry’s House” del hoy ya consagrado Harry Styles, que ganó la máxima estatuilla de la noche: Álbum del Año, además del Mejor Álbum Pop Vocal.

Y es que en 2010, cuando Harry se presentó por primera vez con los “One Direction”, creo que no podríamos haber imaginado que, en ese grupo, estaría la estrella de la música que marcaría la pauta una década después. Y es que Harry no solo ha sido un artista completo en toda la extensión de la palabra, sino que se ha ganado un lugar como un gran exponente a nivel mundial de la música pop, de la calidad interpretativa, del estilo y la moda. Styles es reconocido ya como uno de los ‘showmans’ mejor posicionados de la industria y uno de los mejores cantantes de la nueva generación y de los últimos quince años. 

Aún recuerdo, cuando en 2017, Styles presentó su primer álbum como solista, un disco que sin duda, sorprendió a críticos y al público, pues poseía una calidad en la producción y voz, que no era, y sigue siendo, la constante en los artistas juveniles. Así, su tema “Sign Of The Times” resultó una verdadera maravilla en la industria, pues mientras casi todos esperábamos un primer ‘single’ de Harry como solista, un tema bailable y con tintes de pop, el británico sorprendió a todos con esta balada nostálgica, con un nivel interpretativo estupendo, instrumentación fastuosa y un video clip donde se apreciaba una gran producción, además de evocarnos un poco, el universo de “Harry Potter”. Un acierto que fue y ha sido celebrado, pues “Sign Of The Time”, sigue siendo uno de los ‘tracks’ más solicitados de Harry y un ejemplo de música juvenil con gran calidad. 

Su segundo trabajo solista, “Fine Line”, lo consagró además, como un icono del estilo y de la moda. Ya nos había demostrado que un gran cantante sí es, así, con este material se dedicó a mostrar la dualidad de su personalidad, portando por igual prendas femeninas y masculinas, lo que se convirtió en un fenómeno a nivel mundial. Tanto chicos como chicas adoptaban el estilo de vestir sin género de Styles, utilizando accesorios modernos, ‘vintage’, de hombre o mujer en sus ‘outfits’, lo que resultó en la definición de parte de la imagen de los adolescentes y jóvenes del tiempo pre y post Covid-19. Aunado a eso, los seis ‘singles’, promocionales de “Fine Line” (“Lights Up”, “Adore You”, “Falling”, “Watermelon Sugar”, “Golden” y “Treat People With Kidness”) lo posicionaron en el podio de los grandes dentro de la industria musical contemporánea. 

Y en mayo de 2022, llegó “Harry’s House”, sin duda el gran trabajo de Styles hasta el momento. Además de cantante, con este disco, el artista se adentra como compositor y productor de varios de los ‘tracks’, mismo que ha sido calificado por el mismo Harry, como el más introspectivo de sus discos hasta el momento, introduciendo además géneros como el funk, pop, rock, synth pop y R&B, aludiendo no solo a sus grandes influencias: Mick Jagger, Elvis Presley, David Bowie, Mariah Carey, The Beatles y Coldplay, sino creando una cualidad que no solo los jóvenes han calificado de grandiosa, sino que también ha convencido a muchos críticos severos de música de que es un gran trabajo, y créanme, “Harry’s House” es un gran disco.

Inspirado para el título por el artista japonés Haruomi Hosono por su disco “Hosono’s House”, la noche del 05 de febrero, Harry alzó la máxima presea de la noche. Y hacía mucho, creo que desde “Genius Loves Company” de Ray Charles en 2005, que no había estado de acuerdo en la entrega justamente de ese galardón, pues se la otorgaban a discos que no solo a mi juicio, sino el de verdaderos conocedores, no lo merecían. Y eso cambió el domingo, cuando le fue entregado el Grammy como Álbum del Año a Harry Styles y su “Harry’s House”, un disco que, por su calidad e influencia sin duda lo merecía. 

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Siete actores legendarios nominados por primera vez al Oscar

Paréntesis

Ismael Ortiz Romero Cuevas

El pasado 24 de enero, se dieron a conocer las nominaciones para la entrega número 95 de los Premios de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas, es decir, el Oscar. Y aunque para muchos no hubo tantas sorpresas, porque hasta las cintas de súper héroes que compiten en alguna categoría, estaban más que cantadas, así como la nominación de los tres amigos mexicanos (Cuarón, Del Toro e Iñárritu) en algunas categorías era segura, para quince actores, fue la primera vez que se mencionó su nombre para competir por los premios principales: Mejor Actriz y Actor y Mejor Actriz y Actor de Reparto. 

Y no hablo de actores jóvenes que por lo corto de su carrera han recibido la nominación por primera vez, como Ana de Armas por “Rubia”, Austin Butler por “Elvis”, Barry Keoghan por “Los espíritus de la isla” o Paul Mescal por “Aftersun”, sino que esta vez, hablo de grandes actores con gran experiencia y algunos de ellos, con una trayectoria muy respetable en el séptimo arte y que este 2023, Oscar volteó a verlos por primera vez:

1.- Brendan Fraser

Película: “La ballena”

Director: Darren Aronofski.

Productora: Protozoa Pictures. 

Distribución: A24.

El actor de 54 años, pausó su carrera en 2014 sin dar a conocer las causas en ese momento, solo se supo que después de su participación como actor de voz en la cinta de animación “Locos por la nueces”, Fraser había decidido retirarse de la actuación, hasta que en 2018 afirmó que había sido agredido sexualmente por Phillip Beck, el entonces presidente de la Asociación de Periodistas Extranjeros en Hollywood (sí, los que entregan los Globos de Oro) y que por sus influencias, logró vetar a Fraser de la industria por algunos años. No podemos negar que Brendan Fraser es una verdadera leyenda del cine de mediados de los noventa y principios de los dos mil, sin embargo, a nivel de crítica, nunca había sido reconocido como gran actor, aunque sí era un nombre que generaba mucho dinero en la taquilla. Este 2023, Brendan Fraser está nominado por primera vez como Mejor Actor por su potente y desgarradora actuación en “La ballena” del también laureado director Darren Aronofski.

2.- Jamie Lee Curtis

Película: “Todo en todas partes al mismo tiempo”

Directores: Daniel Kwan y Daniel Scheinert

Productora: AGBO e IAC

Distribución: A24

En 2016, el portal IndieWire nombró a Curtis como una de las mejores actrices de Hollywood que nunca había tenido una nominación al Oscar. Pero este 2023, la justicia llegó y por fin consiguió estar nominada como Mejor Actriz de Reparto por la cinta de drama y comedia absurda “Todo en todas partes al mismo tiempo”, donde su actuación es realmente fascinante y su reacción, uno de los mejores momentos en el poco tiempo que lleva el 2023. Jamie Lee Curtis no solo ha protagonizado y enfrentado a Michael Myers en la franquicia de “Halloween”, también ha estado en películas clásicas como “Mentiras verdaderas” al lado de Arnold Schwarzenegger y dirigida por James Cameron, “El sastre de Panamá” de John Boorman y la comedia adolescente “Viernes de locos”. Una nominación, más que merecida. 

3.- Michelle Yeoh

Película: “Todo en todas partes al mismo tiempo”

Directores: Daniel Kwan y Daniel Scheinert

Productora: AGBO e IAC

Distribución: A24

Y ya que hablamos de la película de los directores conocidos como “los Daniels”, Michelle Yeoh, la actriz malaya famosa por coprotagonizar cintas como “007: El mañana nunca muere” y “El tigre y el dragón” de Ang Lee, obtiene su primera nominación al Oscar en la categoría de Mejor Actriz, además, de que es una de las favoritas para alzar el galardón. Por cierto, Yeoh es apenas la segunda actriz de origen asiático en estar nominada en una de las categorías principales, la actriz anterior fue Merle Oberon de origen indio, ¡en 1935! 

4.- Ke Huy Quan

Película: “Todo en todas partes al mismo tiempo”

Directores: Daniel Kwan y Daniel Scheinert

Productora: AGBO e IAC

Distribución: A24

Continuamos con “Todo en todas partes al mismo tiempo” y toca el turno para el exactor infantil-juvenil Ke Huy Quan, que triunfó en cintas como “Indiana Jones: en busca del templo perdido” y “Los Goonies” y que se retiró por falta de oportunidades debido a su origen. En la pasada entrega de los Globos de Oro, él resultó el triunfador en la categoría de Mejor Actor en una Cinta de Comedia o Musical y aunque Brendan Fraser y Austin Butler son los grandes favoritos en esta edición del Oscar, no descartemos que Quan puede dar la sorpresa. 

5.- Colin Farrell

Película: “Los espíritus de la isla”

Director: Martin McDonagh

Productoras: Film4 Productions, Blueprint Pictures y TSG Entertainment

Distribución: Searchlight Pictures 

En 2022, Farrell fue sorprendente con su interpretación de El Pingüino en “Batman”, sin embargo, su gran actuación llegó con esta comedia oscura, dirigida por Martin McDonagh, quien ya nos sorprendió hace seis años con la monumental “Tres anuncios por un crimen”. Y en ese mismo tono, nos presenta esta película que hizo que el actor australiano con todo y su larga y reconocida trayectoria, esté nominado al Oscar como Mejor Actor por primera vez. 

6.- Brendan Gleeson

Película: “Los espíritus de la isla”

Director: Martin McDonagh

Productoras: Film4 Productions, Blueprint Pictures y TSG Entertainment

Distribución: Searchlight Pictures 

A Brendan Gleeson lo conocemos por películas como “Corazón valiente”, “Inteligencia artificial”, “Regreso a Cold Mountain”, “Exterminio”, “Pandillas de Nueva York” o “Troya” por mencionar algunas de las fabulosas películas en las que ha actuado, sin embargo, fue su interpretación de Alastor “Ojo-loco” Moody en la saga de “Harry Potter” la que hizo que se ganara el corazón del público. A pesar de su extensa trayectoria y de su trabajo en grandes, pero en verdad, grandes películas, este año le llegó apenas su primera nominación al Oscar como Mejor Actor de Reparto por “Los espíritus de la isla”. Sin duda, esta leyenda del cine merece ganarlo, aunque la competencia es muy fuerte. 

7.- Bill Nighy

Película: “Living”

Director: Oliver Hermanus

Productoras: Number 9 Films, Ingenious Media, Film4 y BFI

Distribución: Lionsgate UK. 

Otro actor legendario. Bill Nighy es reconocido sobre todo por sus papeles de villano en cintas como “Inframundo”, “Piratas del caribe” y la saga de “Harry Potter”, sin embargo, su calidad actoral ha sido reconocida por la Academia hasta este 2023, que ha sido nominado en la categoría de Mejor Actor por la cinta “Living”, donde da muestra de una actuación no solo emotiva, sino llena de matices. A sus 76 años, esta es la primera nominación del gran Bill Nighy. 

¿Crees que alguno de estos legendarios al Oscar y nominados por primera vez, gane algún premio?, el próximo 12 de marzo, lo sabremos. 

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«Sagrada familia»: sin problemas, sería un cortometraje

Paréntesis

Ismael Ortiz Romero Cuevas 

En octubre del año pasado, se estrenó en Netflix la serie “Sagrada familia”, un drama creado por el cineasta mexicano Manolo Caro que según se dio a conocer, sería algo completamente diferente de las tramas que nos ofreció desde el inicio de su carrera. Sí, esas historias con gran influencia de Almodóvar, con personajes fuera de lo común y esa mezcla de drama con comedia que en realidad poco tenían de original. 

Lo cierto es que, a pesar de eso, las historias creadas por Caro siempre habían tenido buena recepción por parte de la crítica especializada y lo realmente importante, por parte del público. Con esa buena reputación, Netflix le dio luz verde para realizar una miniserie que ahora se centraría más en una trama de suspenso con drama, el resultado: “Sagrada familia”, un experimento que sonaba bien antes de su estreno gracias a que como sus protagonistas, encontrábamos a actores españoles de renombre: Najwa Nimri (Gloria / Julia), Alba Flores (Catherina / Edurne), Macarena Gómez (Blanca), Carla Campra (Aitana / Mariana), Alex García (Germán), Jon Olivares (Pedro) y Álvaro Rico (Marcos) entre algunos otros. Sí, todo pintaba para que en realidad fuera lo mejor que había hecho Manolo Caro hasta el momento, tal y como lo anunció. 

Me había resistido a ver esta serie a lo que al final caí, porque después de ver varios de sus trabajos, desde “No sé si cortarme las venas o dejármelas largas”, “Elvira: te daría mi vida, pero la estoy usando” y “Alguien tiene que morir”, claro, pasando por “La casa de las flores”, tenía la expectativa de que “Sagrada familia” no sería sorprendentemente novedosa, esperando ver el mismo tipo de personajes y trama al que nos tenía acostumbrados como público. Sin embargo, el primer episodio nos marca la notoria diferencia de que ahora, estamos ante una serie del género del ‘thriller’, que pasa por momentos de drama y eso, es un punto a favor de inicio. Otro de los elementos que al menos a mí me parece importante destacar, es que con “Sagrada familia”, Caro le rinde homenaje sin tapujos a los cineastas españoles que sin duda, han sido de gran influencia en su carrera: Pedro Almodóvar, Alejandro Amenábar y Alex de la Iglesia, presentándonos escenas muy similares a trabajos de esos directores de cintas como “Mujeres al borde de una ataque de nervios”, “Todo sobre mi madre”, “Hable con ella” y “La ley del deseo” de Pedro Almodóvar, “Tesis” de Alejandro Amenábar y “Balada triste de trompeta” y “El día de la bestia” de De la Iglesia, en serio, algo que yo no me esperaba, al menos no de forma tan evidente. 

Asimismo, hay que celebrar la actuación de Alba Flores, que al igual que con Nairobi de “La casa de papel”, se vuelve a robar la cámara en prácticamente toda la historia. Y aunque su personaje es una especie de villana, es tal la calidad de su actuación que al menos yo, he terminado empatizando un poco con Catherina y aplaudiendo su brillante interpretación. Caso contrario sucede con Najwa Nimri y Macarena Gómez, que a pesar de que son actrices realmente sorprendentes, pareciera que aquí solo se pusieron en automático y se dejaron llevar por la situación, y mientras se nota que Flores disfrutó su trabajo a más no poder, es notorio también que Nimri y Gómez sufrieron a sus personajes. 

Pero ¿qué sucede en realidad con “Sagrada familia”? La historia es entretenida y nos mantiene al borde de la intriga al presentarnos casi a cuentagotas los elementos clave de la serie para desenmarañar todo el ‘batiburrillo’. Sin embargo, llega el momento en que la trama parece no avanzar provocando (al menos en mí), una desesperación terrible al darle vueltas a la misma situación por un tiempo prolongado. Es increíble también, como Netflix, siendo generalmente políticamente correcto en sus producciones y en este tiempo donde existe el “me too”, se preste a hacer una serie que muestra a mujeres que expongan sus aterradores rasgos de personalidad canalizándolos al fungir como madres, protectoras y proveedoras, sí, una especie de Jack Torrance de “El resplandor”, pero en mujer. Eso, me dejó no solo reflexionándolo sino sorprendido y créanme, no de manera tan grata. 

No puedo decir que no hay qué ver “Sagrada familia”, pues hay elementos que, créanme, valen mucho la pena, pero también hay que reconocer que hay situaciones que no están del todo bien logradas, además de que la historia pareciera que se alarga de manera forzada y se estanca en varias ocasiones, pudiendo ser sin problemas un cortometraje de unos veinte minutos. 

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